Natalie Dunham

Bare Resonance

by/di Pamela J. Goldman (traduzione in italiano al fondo pagina)

Sipping prosecco with sculptor Natalie Dunham in NYC this weekend was a thrill for the curators at Museum Mile Contemporary. Her ebullience and wide-eyed excitement made everyone feel  they were in the right place at the right time.

Dunham’s gentle voice and petite frame are very un-telling of the power she wields in her studio creating her designs. Equipped with expansive curiosity and a constant development of the knowledge of materials in all their aspects, Dunham’s pieces are pure in form and rhythmically pierce space in a way that is reminiscent of Philip Glass’s punctuation of sound.

The title of this show is taken from a direct quote by Dunham. She describes her art as embodying “Bare Resonance… An exploration of what remains when everything non-essential is removed. Through slow, deliberate processes, the work reveals a quiet resonance that emerges only in absence.”

How does your sculpting process begin? Does it start with an idea, concept or research? Or is it organically led?
Natalie Dunham: «My process is a balance of systematic planning and material exploration. I begin by considering the inherent qualities of each medium—its texture, weight, flexibility, and light-interactivity—while remaining attentive to how the material responds to my manipulation. At other times, the process is reversed: I start with a clear conceptual vision and select the materials that best articulate that intent. This interplay—guiding the materials while simultaneously being guided by them—creates a rich internal dialogue, allowing for a purposeful balance between rigorous intention and organic spontaneity.»

Are there artists or movements from which you have drawn inspiration?
N. D.: «I have always been drawn to the work of Eva Hesse. I feel a deep kinship with her ability to take industrial materials and subvert them through repetitive, hand-led processes. Like Hesse, I am interested in the tension between the systematic and the organic.»

What technical skills have you developed to achieve your vision and what is the hardest part in your process that you have overcome?
N. D.: «Because my practice is rooted in material exploration, my technical toolkit is constantly evolving and requires adaptability. Specifically, my suspended installations require a deep understanding of structural integrity. Learning how to make an installation feel ethereal and weightless—while, in fact, it is a complex feat of tension and hardware—has been my most vital technical evolution.»

Why sculpture rather than other forms of art?
N. D.: «I create sculptures and installations because I am interested in the physicality of space. My works occupy the same air as the viewer as they drape from the ceiling or protrude from the wall. It creates a physical relationship that can’t be ignored.» 

Is creating for you an act of liberation? How so?
N. D.: «Creating is an act of liberation through simplification. In a world that constantly demands ‘more,’ choosing ‘less’ is incredibly freeing.»


This exhibit was compiled by Pamela Goldman, Curator and Founder of Museum Mile Contemporary, a non-profit institution.

To send a message to the artists or the administration click the link: https://www.museummilecontemporary.org

To contact Natalie Dunham:
https://www.nataliedunham.com
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Traduzione in italiano
di Simona Maria Frigerio

Natalie Dunham

Risonanza Pura

Sorseggiare un prosecco con la scultrice Natalie Dunham, a New York City durante il weekend, è stato elettrizzante per i curatori del Museum Mile Contemporary. La sua effervescenza e il suo candido entusiasmo hanno fatto sentire tutti al posto giusto nel momento giusto.

La voce calma di Dunham e la corporatura minuta non sono indicative della forza che esercita nel suo studio quando crea i propri lavori. Dotata di una curiosità espansiva e votata a un costante sviluppo della conoscenza dei materiali in tutti i loro aspetti, Dunham idea opere che sono pure nella forma e, nel contempo, attraversano ritmicamente lo spazio in un modo che rimanda alla punteggiatura del suono di Philip Glass.

Il titolo di questa presentazione è tratto da una frase di Dunham, quando descrive la propria arte come rappresentazione di “Pura Risonanza… Un’esplorazione di ciò che rimane quando tutto quello che non è essenziale è rimosso. Attraverso processi lenti e deliberati, il lavoro rivela una risonanza silenziosa che emerge solamente nell’assenza”.

Come inizia a scolpire? Il processo parte da un’idea, un concetto o una ricerca? O è guidata dalla naturalezza?
Natalie Dunham: «Procedo bilanciando una pianificazione sistematica e l’esplorazione dei materiali. Parto considerando le qualità proprie di ciascun medium – la sua consistenza, il peso, la flessibilità e l’interazione con la luce – mentre faccio attenzione a come i materiali reagiscono alla mia manipolazione. In altre occasioni, il processo è al contrario: parto da una chiara visione concettuale e seleziono i materiali che meglio esprimono la mia intenzione. Questa alternanza – lavorare sui materiali mentre, simultaneamente, sono ispirata da essi – crea un dialogo interiore ricco, che permette un equilibrio mirato tra intenzione rigorosa e spontaneità naturale».

Quali sono gli artisti o i movimenti ai quali si è ispirata?
N. D.: «Sono sempre stata attratta dal lavoro di Eva Hesse. Sento una profonda affinità con la sua capacità di prendere materiali industriali e sovvertirli attraverso processi ripetitivi, fatti a mano. Come Hesse sono interessata dalla tensione che si crea tra il sistemico e il naturale».

Quali capacità tecniche ha sviluppato per conseguire la sua visione e quale è stato l’ostacolo al processo creativo più difficile da superare?
N. D.: «Dato che la mia prassi è radicata nell’esplorazione dei materiali, i miei strumenti tecnici sono in costante evoluzione e necessitano di adattamento. Entrando nello specifico, le mie installazioni sospese hanno bisogno di una comprensione profonda dell’affidabilità strutturale. Imparare come si fa un’installazione che si percepisce eterea e priva di peso – mentre, in effetti, è un’opera complessa che intreccia tensione e hardware – è stata, per me, un’evoluzione tecnica fondamentale».

Perché ha scelto la scultura rispetto ad altre forme di espressione artistica?
N. D.: «Creo sculture e installazioni perché mi interessa la fisicità dello spazio. I miei lavori occupano la stessa ‘dimensione’ dell’osservatore mentre cadono come un drappeggio dal soffitto o sporgono dal muro. Ciò crea una relazione fisica che non può essere ignorata». 

Creare è per lei una forma di liberazione? In che modo?
N. D.: «Creare è un atto liberatorio attraverso la semplificazione. In un mondo che costantemente richiede ‘di più’, scegliere ‘di meno’ è incredibilmente liberatorio». 

Mostra virtuale a cura di Pamela Goldman, Curatore e Fondatore del Museum Mile Contemporary, istituzione no-profit.

Per inviare un messaggio all’artista o all’amministratore del sito, cliccare: https://www.museummilecontemporary.org

Per contattare Natalie Dunham:
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Friday, May 15, 2026 / venerdì, 15 maggio 2026

On the cover: a portrait of the artist; in the article: all images, courtesy by the artist © Natalie Dunham (all rights reserved. Reproduction prohibited) / In copertina: un ritratto dell’artista; nell’articolo: tutte le immagini, courtesy l’artista © Natalie Dunham (tutti i diritti riservati. Vietata la riproduzione)