Weriem

The Inner Stage

by/di Pamela J. Goldman (traduzione in italiano al fondo pagina)

I met Weriem this spring at The Whitney Biennial. I watched how she carefully observed each display in a quiet, meditative way. Wrapped in a scarf, rims and a French accent, Weriem is far from pretentious. She bares her soul while connecting to another soul and she is honesty revealed.

“The people in the US have been very good to me… I even married one of them,” she laughs. She describes spending time invited into American kitchens for holidays, creating joyful memories.

Weriem brings an essential realism to her view of life and muses over the concept that life has ebbs and flows, good times and not such good times. False positivity is a constant artifice which we are bombarded with. This, she feels is far from the truth of life. She prefers authenticity to the sugar-coating of life. The emotion(S) expressed in her work are a powerful conduit for reflection of feelings and emotional quests for resolution.

Most of all, Weriem is empowering by describing the choice we all have as individuals to reveal selectively what we want to reveal about ourselves to the world and to whom. The intimacy of her work embodies this power. Success for the artist is when she can connect with the private worlds of people, reflecting back to them understanding, comfort, even wisdom in a shared experience. 

What part does mystery play in your work? How is this indicative of your philosophy of the human condition? 

Weriem: «I believe mystery is a part of being human. We never fully know another person, and often we do not fully know ourselves. My figures rarely tell a complete story. They may appear thoughtful, melancholic, or lost in a private moment, but I leave space for the viewer to bring their own experiences and interpretations. I am less interested in providing answers than in creating an invitation. I think a work of art becomes more engaging when there is something unresolved about it. In life, we are all trying to make sense of ourselves and others with incomplete information. Mystery is not a flaw in the human condition, it is part of its beauty.»

There is something very sensual about our choosing to reveal parts of ourselves as we see fit. It is very empowering. Having spent the majority of your life in France, how do you compare the way people reveal themselves to those in the US.

W.: «This is, of course, a broad generalization, but I find that people in the United States tend to be more open initially, and there is a wonderful generosity in that. In France, people can appear more reserved at first, but intimacy often develops more gradually. Another difference I have noticed is that Americans often place a strong value on maintaining a positive outlook, even during difficult times. In France, by contrast, sharing frustrations, doubts, or challenges can sometimes be a way of building closeness and trust. Neither approach is better or worse; they simply reflect different cultural ways of connecting with others. What fascinates me is that, regardless of culture, we are all constantly deciding what to reveal and what to keep private. We present different facets of ourselves depending on the situation, the audience, and the level of trust involved. That selective revealing is something I find endlessly interesting. It is not necessarily deceptive, it is part of being human. We all have private rooms within ourselves that only a few people ever enter.»

Please explain your concept of ‘the inner stage’ and how people can use art to reflect a deeper understanding of their interior world.

W.: «The idea of the ‘inner stage’ comes from my background in costume design for live performances. On a stage, characters perform emotions, conflicts, desires, fears, etc. I believe something similar happens inside each of us. We all carry an internal theater populated by memories, dreams, anxieties, hopes, and imagined conversations. My work invites viewers to connect with that invisible world. The figures I paint are not portraits of specific people as much as they are embodiments of emotional states and inner narratives. Art can help us understand ourselves because it gives form to things that are often difficult to articulate. Sometimes we encounter an image, a piece of music, or a story and suddenly recognize something we have felt but never been able to name. Art becomes a mirror, reflecting not our physical appearance but our emotional and psychological landscape.»

In many of your works, there is a sense of isolation. Is this a theme of yours, part of the human condition? If so, how does your art intuit the possibility of creating connection when all else fails?

W.: «Yes, isolation is a recurring theme in my work, though I do not see it as purely negative. Every human being experiences life from within their own consciousness. In that sense, a certain degree of solitude is unavoidable. The isolation that interests me most is not necessarily physical. It is the kind that can accompany grief, vulnerability, longing, or unrequited love. Even when we are surrounded by people who care about us, there are moments when our deepest emotions remain difficult to communicate. We feel them intensely, yet words seem inadequate. Perhaps this theme resonates with me because I have lived on different continents and within different cultures. Starting over in a new place makes you aware of separation and belonging, but it also reminds you how much of your inner world remains invisible to others. Yet I believe art has the ability to bridge that distance. When someone stands in front of one of my paintings and recognizes an emotion, they have experienced themselves, a connection is formed. The viewer may interpret the image differently than I intended, but that does not matter. What matters is that the artwork becomes a meeting place between two inner worlds. To me, that is one of the most beautiful functions of art. It reminds us that while we may be alone in our individual experiences, we are not alone in our humanity.»

This exhibit was compiled by Pamela Goldman, Curator and Founder of Museum Mile Contemporary, a non-profit institution.

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Traduzione in italiano
di Simona Maria Frigerio

Weriem

Palcoscenico Interiore

Ho incontrato Weriem questa primavera alla Whitney Biennial. Ho notato come osservasse attentamente ogni opera in modo tranquillo e meditativo. Avvolta in una sciarpa, con la [particolare] montatura degli occhiali e un accento francese, Weriem non è per niente presuntuosa. Rivela il proprio animo mentre comunica con quello dell’altro da sé e si mostra in tutta onestà.

“Gli statunitensi sono stati molto gentili con me… Ne ho persino sposato uno!” e ride. Racconta di come abbia trascorso il tempo nelle cucine statunitensi, invitata per le vacanze, il che ha dato vita a ricordi felici.

Weriem dimostra un realismo essenziale nella sua visione dell’esistenza e riflette sul concetto che la vita scorra tra flussi e reflussi, bei momenti e altri meno buoni. Il falso ottimismo è un artificio con il quale siamo costantemente bombardati [afferma]. Questo – secondo il suo modo di sentire – è lontano dalla realtà. Preferisce l’autenticità della vita invece dell’indorare la pillola. Le emozioni espresse nei suoi lavori sono un mezzo potente per riflettere sulla ricerca emotiva e sentimentale di una soluzione. 

Soprattutto, Weriem è stimolante quando descrive le scelte che ognuno ha come individuo per rivelare selettivamente ciò che vuole, riguardo a se stesso, al mondo e a chiunque. L’intimità del suo lavoro incarna questo potere. Il successo, per questa artista, arriva quando può connettersi con gli universi privati delle persone, riflettendo loro la comprensione, il conforto, persino la saggezza di una esperienza condivisa. 

Quale parte gioca il mistero nel suo lavoro? Com’è indicativo della sua filosofia riguardo alla condizione umana? 

Weriem: «Credo che il mistero sia parte dell’essere umano. Non conosciamo mai completamente gli altri, e spesso nemmeno noi stessi. I miei ritratti raramente raccontano un’intera storia. Possono apparire pensosi, melanconici, o persi in un proprio momento privato, ma io lascio spazio all’osservatore di portare le proprie esperienze e interpretazioni. Sono meno interessata a fornire risposte che a creare un invito. Penso che un’opera d’arte diventi più coinvolgente quando resta qualcosa di irrisolto. Nella vita, cerchiamo tutti di dare un senso a noi stessi e agli altri con informazioni incomplete. Il mistero non è un difetto della condizione umana, è parte della sua bellezza». 

Vi è qualcosa di molto sensuale nello scegliere di rivelare parti di noi stessi che consideriamo adeguate. Ci dà potere. Avendo vissuto la maggior parte del tempo in Francia, come paragona il modo in cui le persone rivelano se stesse nel suo Paese di origine e negli States? 

W.: «Considerandola una generalizzazione grossolana, direi che trovo la gente negli States più aperta, inizialmente, e vi è molta generosità in questo. In Francia, le persone possono sembrare più riservate in un primo tempo, ma l’intimità si sviluppa più gradualmente. Un’altra differenza che ho notato è che gli statunitensi spesso danno un gran valore al mantenere una visione positiva, persino nei periodi difficili. In Francia, al contrario, condividere le frustrazioni, i dubbi, o le sfide può essere un modo, a volte, per costruire vicinanza e fiducia. Nessuno dei due approcci è migliore o peggiore; semplicemente riflettono differenti modi culturali di connettersi agli altri. Ciò che mi affascina è che, a dispetto della cultura, tutti noi decidiamo cosa rivelare e cosa tenere privato. Offriamo sfaccettature diverse di noi stessi a seconda della situazione, delle persone, e del grado di fiducia. La rivelazione selettiva è qualcosa che trovo sempre interessante. Non è necessariamente ingannevole, ma parte dell’essere umano. Abbiamo tutti luoghi privati in noi stessi a cui solo poche persone hanno accesso». 

Può spiegare il suo concetto di ‘palcoscenico interiore’ e come le persone usino l’arte per riflettere una comprensione più profonda del loro mondo interiore? 

W.: «L’idea di un ‘palcoscenico interiore’ deriva dal mio background di costumista per performance dal vivo. Sulla scena, i personaggi interpretano emozioni, conflitti, desideri, paure, eccetera. Credo che qualcosa di simile accada dentro ognuno di noi. Tutti abbiamo il nostro teatro interiore popolato di ricordi, sogni, ansie, speranze, e conversazioni immaginarie. Il mio lavoro invita chi lo osserva a connettersi con quel mondo invisibile. I miei dipinti non ritraggono persone specifiche quanto rappresentano stati emotivi e narrazioni interiori. L’arte può aiutarci a capire noi stessi perché dà forma alle cose che spesso sono difficili da articolare a parole. A volte veniamo in contatto con un’immagine, un brano musicale, o una storia e, improvvisamente, riconosciamo qualcosa che abbiamo già sperimentato ma a cui non siamo stati capaci di dare un nome. L’arte diventa uno specchio, che riflette non la nostra appartenenza fisica bensì il nostro paesaggio emozionale e psicologico». 

In molte tra le sue opere, si percepisce un senso di isolamento. È un suo tema, parte della condizione umana? Se è così, come riesce la sua arte a intuire la possibilità di creare collegamenti quando ogni altro mezzo fallisce?

W.: «Sì, l’isolamento è un tema ricorrente nel mio lavoro, anche se non lo vedo solo come elemento puramente negativo. Ogni essere umano sperimenta la vita dall’interno della propria consapevolezza. In questo senso, un certo grado di solitudine è inevitabile. L’isolamento che mi interessa maggiormente non è per forza fisico. È quello che può accompagnare il dolore, la vulnerabilità, la nostalgia, o l’amore non corrisposto. Persino quando siamo circondati da persone che ci tengono a noi, ci sono momenti in cui le nostre emozioni più profonde sono comunque difficili da condividere. Le sentiamo intensamente, eppure le parole paiono inadeguate. Forse questo tema risuona in me perché ho vissuto in continenti e in culture differenti. Ricominciare in un posto nuovo ti rende consapevole di cosa siano la separazione e la nostalgia; ti rammenta anche quanto del tuo mondo interiore rimane invisibile agli altri. Eppure credo che l’arte abbia la capacità di colmare la distanza. Quando qualcuno si trova di fronte a uno dei miei dipinti e riconosce un’emozione, sperimenta se stesso, e si instaura una connessione. L’osservatore può interpretare l’immagine diversamente da come l’ho intesa, ma non importa. Ciò che conta è che il lavoro artistico diventa un punto d’incontro tra due mondi interiori. Per me, questa è una tra le più belle funzioni dell’arte. Ci ricorda che anche se siamo soli nelle nostre esperienze individuali, non siamo soli nella nostra umanità». 

Mostra virtuale a cura di Pamela Goldman, Curatore e Fondatore del Museum Mile Contemporary, istituzione no-profit.

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Friday, July 17, 2026 / venerdì, 17 luglio 2026

On the cover: a portrait of the artist (photo credit: Aleksandr Karjaka). In the article: all images, courtesy by the artist © Weriem (all rights reserved. Reproduction prohibited) / In copertina: un ritratto dell’artista (foto di Aleksandr Karjaka). Nell’articolo: tutte le immagini, courtesy l’artista © Weriem (tutti i diritti riservati. Vietata la riproduzione)